gothique (art) (suite)

En même temps que l’architecture, la sculpture évolue. Dans la flore des chapiteaux apparaissent des feuillages et des fleurs directement inspirés de la nature, comme à Notre-Dame de Paris, à la Sainte-Chapelle et à Reims. Les statues s’animent, s’isolent et se font expressives : apôtres à l’intérieur de la Sainte-Chapelle, saint Joseph et ange au sourire de Reims. Ces sculptures eurent un grand succès et une suite : par exemple avec la Vierge dorée du transept d’Amiens, aux portails de Bourges, à Strasbourg dans les statues de l’Église et de la Synagogue, des Vierges sages et des Vierges folles, à Mayence et, au-delà du Rhin, avec le Cavalier de Bamberg et, à un degré moindre, à Naumburg dans les célèbres statues des fondateurs. La beauté de ces sculptures s’exprima avec une rare délicatesse dans les ivoires* parisiens. L’influence de la sculpture française se sentit jusqu’en Italie, chez Giovanni Pisano, fils de Nicola*, qui allia la plastique gothique aux traditions des reliefs antiques, avec une agitation dramatique, à la cathédrale de Sienne et à Pise.

La peinture française fut dominée par l’art du vitrail* à Chartres, à Bourges ou à la Sainte-Chapelle. Son ascendant fut tel que les miniatures*, comme celles du Psautier de Saint-Louis (Bibliothèque nationale), adoptèrent pour cadres les réseaux des verrières. Les châsses, telles celle de saint Taurin à Evreux et celle de sainte Gertrude à Nivelles, prirent la forme d’une église couverte de fenestrages. Même les portails, comme celui de Saint-Étienne à Sens, se décorèrent de réseaux rayonnants. En Italie, Giotto*, à l’aube du xiv^e s., renouvela la peinture italienne, la dégagea des traditions byzantines, lui insuffla une monumentalité et une puissance plastique qui montrent des contacts avec la sculpture des cathédrales françaises, mais aussi un retour aux valeurs antiques, à l’Arena de Padoue comme à Santa Croce de Florence. Aucun peintre, au nord des Alpes, vers 1300, ne peut être comparé à Giotto, mais on trouve des ateliers d’enlumineurs, notamment à Paris, autour du maître Honoré.

Le xiv^e siècle jusque vers 1380

On admet généralement que le style rayonnant se poursuit au cours de la majeure partie du xiv^e s. En fait, c’est une époque encore mal étudiée, qui révèle le développement de particularismes locaux, voire nationaux, jusqu’à l’éclosion du style international, à la fin du siècle.

On continue à construire des églises, par exemple à Auxerre, à Rodez, à Toulouse* (église des Jacobins), à Albi* (cathédrale). Les rois de Majorque édifient une immense cathédrale à Palma, tandis qu’à l’autre extrémité de la Méditerranée les Lusignan élèvent la cathédrale de Famagouste. L’Allemagne construit des églises en brique dans le Nord et répand dans le Sud les églises-halles à trois vaisseaux de même hauteur, dont le premier exemple est l’église de Schwäbisch Gmünd, commencée vers 1320. C’est là que débutent les Parler, dynastie d’architectes du xiv^e s., qui s’illustrent au chœur de Fribourg-en-Brisgau, à celui de la cathédrale de Bâle, à la façade de Strasbourg et à Prague.

L’architecture civile, surtout militaire au xiii^e s., se développe dans les édifices publics des pays de civilisation urbaine : Palazzo Vecchio de Florence, Palais public de Sienne (bâti de 1297 à 1310), halle aux draps de Bruges (xiii^e-xv^e s.). En France, on fonde des villes nouvelles dans le Sud-Ouest, telles les bastides au tracé régulier de Monpazier ou de Grenade-sur-Garonne, on bâtit des ponts, comme le pont Valentré de Cahors, on construit des hôpitaux, comme celui de Tonnerre.

L’aspect le plus frappant de l’architecture civile du xiv^e s. est le développement des châteaux* et des demeures princières, de plus en plus accueillants, parce que, a-t-on dit, les progrès de l’artillerie rendent inutiles les lourdes défenses, mais aussi à cause de l’évolution des goûts et des mœurs. À Paris, on peut encore voir la grande salle basse du Palais, qui remonte à l’époque de Philippe le Bel, et, aux portes de la capitale, le château de Vincennes, où naquit Charles V. Le Palais-Vieux des papes d’Avignon*, construit avant 1346 par Pierre Poisson, est encore une forteresse ; le Palais-Neuf, achevé en 1360, avec sa salle de la Grande Audience et sa chapelle, est caractéristique d’un nouveau luxe, où se rencontrent influences italiennes et nordiques.

Dans les dernières années du xiii^e s. s’établit un important chantier de sculpture à Notre-Dame de Paris pour le décor de la clôture du chœur. Mais la statuaire devient l’apanage des mécènes : statues de Vierges et de saints commandées par Enguerrand de Marigny pour Écouis ; œuvres de Jean Pépin d’Huy exécutées pour Mahaut d’Artois ; Vierge reliquaire du Louvre, objet précieux d’orfèvrerie et d’émaux fait à la demande de la reine Jeanne d’Evreux. Cette figure montre la grâce mélancolique que l’on retrouve sur les innombrables madones de pierre du xiv^e s., le regard perdu, l’attitude « hanchée » pour accentuer la souplesse alanguie de la forme. Leur préciosité linéaire, souvent un peu sèche, se répète dans les gisants et se combine au réalisme des portraits funéraires, qui font leur apparition par exemple au tombeau des entrailles de Charles IV et de Jeanne d’Evreux par le sculpteur Jean de Liège (Louvre).

Dans la peinture, à Sienne, dès les premières années du xiv^e s., Duccio* allie dans sa fameuse Maestà les fonds d’or et l’irréalité byzantine à une notation subtile, fluide de l’espace, à des tons précieux, à une écriture souple. Simone Martini*, auteur du condottiere Guidoriccio da Fogliano du Palais public de Sienne, est son héritier et se trouve à Avignon en 1340 pour décorer la porte de Notre-Dame-des-Doms. Matteo Giovanetti poursuit l’œuvre de Simone à Avignon, dans le décor du Palais-Neuf et à la chartreuse de Villeneuve. À Sienne même, les Lorenzetti* cherchent une nouvelle expression de l’espace en développant les cadres architecturaux à l’intérieur de leurs peintures ainsi que les vastes premiers plans derrière lesquels se dressent des figures gracieuses. En France, à Evreux et à Saint-Ouen de Rouen, les admirables vitraux à grands personnages surmontés de dais s’éclairent de jaune d’argent et scintillent sur des fonds de grisaille. À Paris, Jean Pucelle, auteur, avec son atelier, des miniatures de la Bible de Robert de Billiyng (1327) et du Bréviaire de Belleville, conservés à la Bibliothèque nationale, s’impose. Ses tons nuancés, son graphisme raffiné ne peuvent s’expliquer sans des contacts directs avec la peinture siennoise, mais, en même temps, il met à la mode les petites scènes naturalistes, qui se répandent dans les marges et dont l’art parisien avait déjà donné quelques exemples.