gothique (art) (suite)
Le style flamboyant apparaît aussi en Allemagne à la fin du xive s., à Ulm, sous la direction d’Ulrich von Ensingen, qui construit peu après la flèche de la cathédrale de Strasbourg, terminée par Johannes Hültz. Saint-Jacques de Liège, la cathédrale d’Anvers, l’église de Bois-le-Duc cèdent à l’exubérance du décor, tandis que Notre-Dame de Halle, les églises de Leyde et de Dordrecht conservent une grande sobriété. L’architecture civile adopte aussi les nouvelles formes, à l’hôtel Jacques-Cœur de Bourges, au palais de Justice de Rouen ou aux hôtels de ville du Nord, de Douai, de Compiègne, de Bruxelles ou d’Oudenaarde, avec leurs orgueilleux beffrois. Le château de Tarascon, les premiers châteaux de la Loire, Langeais, Loches, Chaumont, Châteaudun, Amboise, rappellent ce que furent les demeures princières de la fin du Moyen Âge.
À la cour de Bourgogne, au moment même où fleurit le « gothique international », Claus Sluter*, originaire de Haarlem, apporte une vigueur et un pathétisme neufs à la sculpture. À Dijon, le portail de la chartreuse de Champmol et le calvaire du cloître de celle-ci, plus connu sous le nom de « puits de Moïse », révèlent une impétuosité dramatique, une plasticité des vêtements gonflés et cassés aux pieds, une recherche d’expression pathétique. La violence et le sens théâtral de cet art transforment la sculpture du xve s., et son écho résonne jusque dans la peinture des grands maîtres flamands. En Bourgogne même, Claus de Werve (v. 1380-1439), Jacques Morel (v. 1395-1459), Juan de La Huerta († v. 1462), Antoine Le Moiturier (v. 1425 - v. 1500) continuent l’œuvre de Sluter. Les thèmes douloureux se répandent, comme celui de la Mise au tombeau, traité vers 1453 à Tonnerre par Jean Michel et Georges de La Sonnette. Ce thème est repris bien des fois, à Monestiès-sur-Cérou par exemple, à Solesmes à la fin du siècle, dans un décor déjà italien. La Pietà, ou Vierge de pitié qui reçoit sur les genoux le corps du Christ mort, est un autre sujet dramatique souvent représenté à la fin du Moyen Âge, comme le sont les Crucifixions tragiques. Parmi les grands ensembles sculptés, il faut citer les portails de la cathédrale de Rouen, où travaillent Pierre Desaubeaux, Roland Leroux et Nicolas Quesnel, les statues de la chapelle de Châteaudun et la clôture du chœur de la cathédrale d’Albi, où se mêlent des influences bourguignonnes et d’autres venues de la Loire. Dans cette dernière région, en effet, la véhémence de Sluter s’adoucit et l’élégance sereine des sculpteurs de l’entourage de Charles V persiste. Ces tendances se notent au tombeau d’Agnès Sorel à Loches, dans la sainte Madeleine de l’église Saint-Pierre de Montluçon ou la Vierge du Marthuret de Riom, et plus encore chez Michel Colombe* (tombeau des parents d’Anne de Bretagne à la cathédrale de Nantes). La région de Troyes se rattache encore à l’art gothique au xvie s., avec le Maître de sainte Marthe (église Sainte-Madeleine de Troyes), dont on retrouve la sobre expression de douleur dans la Pietà de Bayel et les Mises au tombeau de Villeneuve-l’Archevêque et de Chaource ; la Lorraine aussi, avec Ligier Richier*.
La sculpture italienne se tourne dès 1400 vers la Renaissance, mais, dans les pays germaniques, on sculpte des retables de bois, en Rhénanie à Oberwesel ou à Marienstatt, à la fin du xive s., en Autriche à Sankt Wolfgang, non loin de Salzbourg, en 1471-1481. Le retable de Cracovie, par Veit Stoss*, celui de Creglingen, par Tilman Riemenschneider*, sont célèbres. À Anvers, à Bruxelles, des ateliers de retables sculptés, fourmillant de personnages, connaissent un grand succès. L’Espagne est prodigue de sculpteurs. Des étrangers y travaillent, mais un art particulier s’y développe, empreint d’une fierté et d’une dignité propres à la Péninsule. Il faut mentionner le tombeau de Jean II et d’Isabelle de Portugal à la chartreuse de Miraflores ou le retable de sainte Anne à la cathédrale de Burgos parmi de nombreuses œuvres d’excellente qualité. En Angleterre, à côté des reliefs en albâtre un peu commerciaux, on rencontre de très beaux monuments de bronze, comme le tombeau de Richard Beauchamp, à Warwick, par William Austen.
En peinture, à la suite du grand courant international de la fin du xive s., les artistes se distinguent par leur nombre et par leur valeur. Dans les pays du Nord, c’est l’explosion de l’art flamand, dont il suffit de rappeler les principaux interprètes : Robert Campin*, Van Eyck*, Van der Weyden*, puis Bouts*, Van der Goes*, Memling*. Les recherches de profondeur spatiale, d’atmosphère transparente, de luminosité marquent cette peinture, qui se dégage du microcosme de l’enluminure, tout en conservant le goût du détail et de l’ornement. Les compositions religieuses, les portraits réalistes, l’univers fantastique de Jérôme Bosch* se succèdent. La moisson des chefs-d’œuvre flamands du xve s. influence la production artistique des autres pays et se répercute jusqu’en Italie, dans les milieux florentins les plus évolués.
Cette influence est particulièrement sensible en Espagne — qu’a visitée Van Eyck —, chez Lluís Dalmau (Vierge aux conseillers, Barcelone), chez Jaume Huguet ou chez le Maître de la Seo de Urgel. Les peintres les plus remarquables demeurent Bartolomé Bermejo* (Pietà, Barcelone), Pedro Berruguete*, qui mêle des expériences italiennes aux influences flamandes dans le Retable de sainte Eulalie (Paredes de Nava), et, au Portugal, Nuno Gonçalves* avec le Retable de São Vicente (Lisbonne). L’art germanique, avec Stephan Lochner à Cologne, Lukas Moser, Hans Multscher et Konrad Witz* dans le Sud, assimile les leçons flamandes et aboutit aux œuvres de Martin Schongauer* et de Friedrich Herlin, qui annoncent les maîtres du xvie s.
La France aussi possède de grands peintres au xve s. Simon Marmion, le Maître de saint Gilles sont très influencés par l’art flamand, mais Jean Fouquet* va beaucoup plus loin, dans l’enluminure comme dans les tableaux. Il allie dans un art très personnel les ordonnances et les tonalités italiennes à la fluidité atmosphérique nordique. Il faut en dire autant d’Enguerrand Charonton et du Maître de la Pietà d’Avignon (Louvre), qui retrouvent dans leurs compositions la monumentalité des tympans des grandes cathédrales. L’art du vitrail est particulièrement bien représenté à Rouen et à Strasbourg avec Pierre d’Andlau. Il faudrait encore parler de la tapisserie, qui fleurit à Arras*, à Bruxelles et qui, à l’aube de la Renaissance, donne les tentures mille-fleurs, et aussi des trésors d’orfèvrerie, comme celui de la Toison d’or à Vienne. Ce n’est donc pas un art moribond et décadent que la Renaissance est venue supplanter, mais un art très vivace, qui ne cessait de se renouveler depuis la création de Suger à Saint-Denis.
